DIRECTRICES PAU: ARTE DEL SIGLO XX
1.- La arquitectura del movimiento moderno. Racionalismo: Le Corbusier. Organicismo: Frank Lloyd Wright.
2.- Escultura: innovaciones en materiales y técnicas.
3.- La pintura. Las vanguardias históricas: Fauvismo, Cubismo, Expresionismo alemán, Dadaísmo, Surrealismo y la abstracción.
La arquitectura, definida como el "arte indispensable", se sustancia durante este siglo en dos grandes corrientes: una europea, denominada "racionalismo", que tendrá en los arquitectos de la Bauhaus y en Le Corbusier a sus principales intérpretes; y otra norteamericana, llamada "organicismo", cuyo protagonista indiscutible es Frank Lloyd Wright. Señalar la filosofía y las características de ambas corrientes.
Por lo que respecta a la escultura de este siglo, explicar al alumno la importancia del "hueco" y el "cinetismo" como grandes innovaciones plásticas. Estúdiense estas innovaciones a través de la obra de Julio González, Pablo Gargallo y Alexander Calder.
Sobre los "ismos" matizar los orígenes del nombre con que se designa a cada uno de los movimientos conocidos como la vanguardia histórica: Fauvismo (Matisse), Expresionismo alemán (Kandinsky), Cubismo (Picasso), Dadaísmo (Duchamp) Surrealismo (Dalí) y la abstracción (Pollock)
IMÁGENES SELECTIVIDAD:
1. La arquitectura del movimiento moderno.
La arquitectura del primer tercio del siglo XX se divide en dos grandes corrientes:
Una, europea, denominada racionalismo, que tendrá a los arquitectos alemanes de la Bauhaus, a los holandeses del grupo De Stijl y al suizo Le Corbusier como principales representantes.
Otra, americana, llamada organicismo, cuyo principal arquitecto es Frank Lloyd Wright.
En 1932, surge la denominación de estilo internacional para referirse a los edificios
construidos con elementos de ambas tendencias.
-Características generales:
•Los problemas del hombre actual son nuevos.
•Sus necesidades son nuevas.
•Y no hay antecedentes, referencias.
•Los rascacielos y los aeropuertos no tienen antecedentes históricos.
*Ante nuevos problemas surgen nuevas soluciones estéticas, sin referencias al pasado
a. Racionalismo: Le Corbusier.(1887-1965)
•Trata de adaptar las modernas técnicas de la construcción a las necesidades funcionales.
•Reduciendo los edificios a severos esqueletos geométricos de hierro y hormigón.
•Permitiendo eliminar las paredes exteriores.
•Y suplirlas por revestimientos de cristal.
Surgiendo así volúmenes transparentes y desornamentados
•En 1926 Le Corbusier define y pone en práctica los cinco puntos de una arquitectura nueva:
–Los pilares:
•La utilización de los pilotis, sustitutos de la columna.
•Permiten la elevación de la construcción sobre el suelo.
Quedando la casa aislada del suelo
Techos-jardín en las azoteas que se aprovechan para solarium, jardines, tenis, piscinas
•La planta libre:
–El sistema de pilares y la ausencia de muros de carga.
–Permiten que cada piso pueda ser distribuido con independencia.
•La ventana longitudinal:
–Al perder el muro su función sustentante.
Se diseñan ventanas alargadas que iluminan y no restan espacio.
•Fachada libre:
–La fachada ya no está sujeta a la ordenación regular impuesta por los muros de carga.
–Y se puede diseñar la fachada en función de cada piso.
Unidad de Habitación. Marsella. 1952-1953
Le Corbusier. Villa Saboya. 1929
Capilla de Notre Dame du Haut en Ronchamp. 1950-55
b. Organicismo: Frank Lloyd Wright.
Frank Lloyd Wright (1867-1959), ingeniero y arquitecto, es el máximo representante del organicismo. Las dos ideas básicas de este movimiento son las siguientes:
*Los edificios han de concebirse en armonía con el paisaje.
*Las personas deben sentirse realizadas dentro de su casa. Por tanto, las casas
individuales deben estar de acuerdo con la forma de ser sus habitantes. En los edificios
colectivos (fábricas, oficinas o cualquier otra cosa), los seres humanos deben sentirse
como personas y no como meros usuarios.
La larga vida profesional de Wright tuvo dos épocas exitosas separadas por un periodo de oscuridad.
1a etapa, 1887-1909.
Se dedica a diseñar casas unifamiliares, las llamadas prairi houses (“casas de la pradera”), ubicadas en urbanizaciones residenciales y perfectamente integradas en la naturaleza. Suelen estar organizadas en torno a una gran chimenea central, desde la que parten las habitaciones en varias direcciones y en distintas alturas. El volumen de la casa tiene forma de cruz, cuyos brazos desiguales se injertan uno en otro. Esta estructura se ha comparado con la de las villas de Palladio, igualmente cruciformes y con diseño rectangular en torno a un distribuidor central.
Estas casas se pusieron de muy de moda, hasta el punto de hacerse presentes en las revistas femeninas de decoración, como Ladies Home Journal. Un ejemplo sobresaliente es la Robie House, construida en Chicago en 1909.
Etapa de oscuridad, 1909-1936).
Su vida familiar oscurece la profesional. Abandona a su primera mujer y a sus hijos, y se fuga a Europa con Mamah Chiney, feminista y librepensadora, esposa de un cliente. Cuando regresa a Estados Unidos, esta señora es asesinada, junto a seis personas más, por un criado loco que incendia la casa. Wright huye a Japón, donde vuelve a tener dificultades pues su nueva esposa, Marian Noel, es morfinómana. Pero un nuevo matrimonio, esta vez con la bailarina yugoslava Olgivanna, le permite rehacer su vida: estudia la arquitectura maya y retoma su actividad como diseñador de edificios.
2a etapa, 1936-1959.
Con casi setenta años, en 1936, diseña su edificio estrella, la fabulosa Casa de la Cascada:
Se trata de una respuesta a los arquitectos de la Bauhaus que huyendo de Hitler se han
instalado en Norteamérica.
Le fue encargada por Edgard J. Kaufmann, propietario de unos grandes almacenes.
Está situada en el espeso bosque de Pensilvania, en una zona por donde discurre el
torrente Bear Run, que da nombre al pasaje.
En cuanto vio el terreno, decidió que la casa iría justo encima de la cascada, junto a la
que su cliente se solía sentar a leer en sus días de descanso.
El proyecto adquirió desde sus orígenes un carácter mítico. Los colaboradores de
Wright difundieron la idea que el maestro había trazado el edificio en un par de horas,
y que ellos habían tenido que desarrollarlo mientras este almorzaba con el cliente.
Aparentemente, la idea de Wright superaba los límites de lo razonable, pues los
ingenieros consultados opinaron que el edificio se derrumbaría parcialmente, y los
albañiles se negaron a quitar los puntales que sujetaban el encofrado; tuvo que ser el
propio arquitecto el que quitara el primero.
El resultado fue el sueño de arquitecto-poeta, como afirmó el crítico e historiador
Henry Russel Hitchcock.
Desde que, en 1938, las revistas Life y Time publicaron las primeras fotos, La Casa de la
Cascada se convirtió en el modelo perfecto de vivienda, ideal para el reposo, aislada
pero en contacto con la naturaleza.
A partir de aquí, su fama crece y su actividad se hace frenética:
En 1937, la Compañía Johnson Wax, que fabricaba suelos de parquet, le encarga su
sede social en Wisconsin:
o Se trata de un bello edificio de líneas curvas.
o La planta dedicada a oficinas es de ladrillo y carece de ventanas. Los soportes
son columnas delgadísimas que se ensanchan en la parte superior adoptando
la forma de una seta o paraguas gigante. Estas columnas sostienen un techo
translúcido por el que penetra la luz.
o El mobiliario también fue diseñado por Wright.
En 1949, diseñó, para la misma compañía, una torre de cristal con ángulos
redondeados donde se ubicaron los laboratorios.
A partir de aquí, comienza a experimentar con las formas circulares. Fruto de ello es el Museo Guggenheim de Nueva York, inaugurado en 1959 para albergar la colección de arte de Salomon Guggenheim, un rico judío que había hecho su fortuna con negocios mineros. Consta de dos partes: un edificio administrativo y la galería de exposiciones. Esta es una espiral continua en rampa que se desarrolla en torno a un gran hueco central, cubierto por una cúpula sobre nervios por la que entra la luz. El visitante sube en ascensor al ático, desde el que desciende a pie para ir contemplando las obras expuestas.
2. Escultura: innovaciones en materiales, técnicas y conceptos.
•La mayor parte de las esculturas realizadas en el s.XX difieren radicalmente en forma y contenido de las épocas anteriores:
–En algunos casos son producto de investigaciones realizadas en la pintura.
–O una revisión de las tendencias escultóricas del siglo XIX.
•Los dos conceptos que revolucionan la escultura son el hueco y el movimiento mecánico.
•Ello unido al empleo de nuevos materiales y técnicas:
–Alambre.
- Chapa de hierro fundida, recortada y soldada
Alexander Archipenko. Mujer andando Julio González. Mujer ante el espejo (36)
Pablo Gargallo. El profeta (1933) Alexander Calder. Fuente de Mercurio (1937)
Una corriente similar surge en Múnich, que cristalizará, en 1911, con la creación del segundo grupo del Expresionismo alemán: Der Blaue Reiter (El jinete azul). Sus fundadores fueron Franz Marc y Vasily Kandinsky. El origen del nombre lo aclaró este último: “A los dos nos gustaba el azul, a Marc para los caballos, a mí para los jinetes. Entonces el nombre salió por sí mismo”.
The blue Rider (1903)
Otoño en Bavaria (1908)
3. La pintura. Las vanguardias históricas
En las dos primeras décadas del siglo XX, París va a ser la cuna de las vanguardias artísticas. La capital francesa, en los años inmediatamente anteriores y posteriores a la I Guerra Mundial, es una ciudad cosmopolita a la que acuden y en la que trabajan los artistas que realizan propuestas novedosas y rompedoras.
Las vanguardias, que surgen tanto en Europa como en América, muestran su rebeldía contra el arte academicista, que ya había sido puesto en cuestión por los impresionistas. Y lo hacen de una manera provocativa, intentando romper con el “buen gusto” impuesto por las clases burguesas.
Aunque los “ismos” fueron muchos, y algunos bastante efímeros, destaquemos los que
tuvieron mayor recorrido:
-En torno a 1905, surgen el Fauvismo y el expresionismo alemán.
-En 1907, aparece el cubismo.
-En 1916, se inventa el dadaísmo.
-En 1924, se publica el primer manifiesto surrealista.
Muchos pintores, transitan por varios movimientos a lo largo de su vida. Observemos la poca duración de los mismos, sobre todo si la comparamos con los cuatro siglos que se mantuvieron el Románico y el Gótico, o los tres que estuvieron vigentes el Renacimiento y el Barroco.
–Es un periodo en el que se suceden y solapan una serie de tendencias.
–Que surgen y desaparecen en cuestión de años, meses o semanas.
–Como si el artista estuviera en constante ebullición creando, rectificando, evolucionando día a día.
•Este arte no tiene un destinatario claro:
–No hay obras de encargo.
–No es un arte socialmente extendido.
–Ningún burgués se atreve a colocar estos cuadros en su salón.
–Los temas son muy variados, brillando por su ausencia los costumbristas, historicistas o religiosos.
a. El Fauvismo y Matisse
•El dibujo se convierte en una gruesa línea de color.
•El color se convierte en el elemento protagonista y estructurador:
–Un color estridente.
–Que se independiza del objeto.
–La luz y la profundidad desaparecen.
–Las composiciones se basan en la existencia de un plano único.
–El color como vía emocional de escape.
•Los temas son los mismos del impresionismo:
–Paisajes.
–Personajes en habitaciones.
–Naturalezas muertas.
Lo inicia Henri Matisse cuando, en 1905, decide participar en el Salón de Otoño de París.
De manera intencionada, se agruparon todos sus cuadros en la misma sala todos sus cuadros, junto a los Vlaminck y los de Derain. Todos tenían en común su salvaje colorido. Los visitantes abandonaban la sala escandalizados por lo que estos pintores le ofrecían, al considerar estas obras un atentado al buen gusto.
Al día siguiente, el crítico Louis Vauxcelles, de la revista Gil Blas, escribía en su crónica:
“Donatello parmi les fauves! (“Donatello entre las fieras”). Trataba con este título de salvar una escultura de factura más o menos clásica que habían colocado en la misma sala. Los insultados aprovecharán el calificativo para dar nombre a su movimiento: había nacido el Fauvismo.
Al año siguiente, algunos de ellos abandonan el movimiento, seducidos por el cubismo.
Sólo Matisse permanecerá fiel hasta el final de su carrera.
El estilo de Matisse se caracteriza por construir sus formas a partir de zonas exaltadas de color que poco tienen que ver con la naturaleza. En 1905, el retrato de su esposa lo titula La raya verde, dominado por una banda de ese color que recorre la cara desde el pelo a la barbilla.
En otras composiciones, mezcla los colores chillones con formas curvas originarias del Art Nouveau y con arabescos musulmanes. Citemos, como ejemplos, El postre, los bodegones sevillanos y La danza.
Los últimos años de su vida, con una artritis que le impedía pintar, los dedicó a diseñar
recortables de colorido brillante. Las tijeras sustituyeron a los pinceles.
b. El Expresionismo alemán y Kandinsky
El Expresionismo consiste en expresar una emoción intensa, distorsionando la forma y el color.
Esta tendencia es una constante en el arte alemán desde la Edad Media.
En 1905, cuatro estudiantes que rechazaban el Impresionismo de moda crean en Dresde un grupo denominado Die Brücke (El puente). Toman el nombre de una obra de Nietzsche, Así habló Zaratustra, con la pretensión de vincular el pasado y el futuro del arte alemán.
Se caracteriza por una pintura angulosa y llena de colorido (algunos creen que estas formas angulosas son debidas al trabajo en litografía, que como sabemos es una forma de grabado en la que hay que esculpir la plancha en la madera con la gubia, de ahí esas betas angulosas). Por el colorido se parecen al Fauvismo, son contemporáneos los dos estilos, la diferencia es la angulosidad ya citada. Intentan ser el nexo de unión entre todos los grupos revolucionarios en pintura. Aunque hay muchos autores destacaremos a Edvar Munch en el que predomina la línea curva, y que aunque no se integra plenamente en El Puente se le considera el padre del Expresionismo; y como máximos representantes del Die Brücke tenemos a Kirchner y Nolde, aunque no son los únicos.
Se inspiraron en las vidrieras góticas, con sus imágenes fragmentadas por marcos de plomo, en las primitivas máscaras africanas y, sobre todo, en Matisse y sus colores violentos. Les gustaba que los llamaran “los nuevos salvajes”.
EDVAR MUNCH (1863-1944). (No entra en el tema, es un añadido)
Es el precedente más claro del Expresionismo. Es noruego y en su obra está implícito el sentido trágico de la literatura nórdica. Al inicio de su carrera está vinculado al Impresionismo, pero a partir de 1892 encontramos ya un estilo maduro basado en la utilización de líneas curvas, colorido arbitrario... Sus temas preferidos son la muerte, la enfermedad, ansiedad, amores frustrados o imposibles, seres que andan como autómatas, en general el sentimiento trágico de la sociedad que le rodea. Vivirá en Alemania hasta 1908, eso explica su relación con el grupo de El Puente.
Tal vez su obra más famosa sea "El Grito", donde podemos apreciar todo un manifiesto de su pintura por el rico colorido y las líneas onduladas, expresa la desesperación de un hombre que necesita imperiosamente gritar para desahogarse.
Se inspiraron en las vidrieras góticas, con sus imágenes fragmentadas por marcos de plomo, en las primitivas máscaras africanas y, sobre todo, en Matisse y sus colores violentos. Les gustaba que los llamaran “los nuevos salvajes”.
De Franz Marc, podemos destacar la obra Caballos azules, de 1911.
El ruso Vasily Kandinsky (1866 – 1944) tenía 45 años cuando se embarca en esta aventura impresionista. Músico, pintor y teórico del arte, había pintado en 1910 la Primera acuarela abstracta, en la que huye de cualquier referencia a la realidad de los objetos, y acababa de redactar el libro De lo espiritual en el arte, en el que, entre otras cosas, afirma: “El problema de la forma es secundario en el arte”.
Kandinsky defiende la evasión de la realidad y realiza unas obras salpicadas de manchas de color y de signos gráficos de valor emocional.
The blue Rider (1903)
Otoño en Bavaria (1908)
El jinete azul se disuelve en 1914, con el comienzo de la guerra mundial. Su legado lo
retomarán los expresionistas abstractos norteamericanos a partir de 1940.
c. El Cubismo y Picasso
El cubismo descompone las imágenes en figuras geométricas para que reflejen
simultáneamente varios puntos de vista. Dicho de otra forma, el cubismo reduce a cubos la figura, el objeto, el paisaje.
Es el fenómeno más notable del arte contemporáneo, ya que supone una ruptura con las
convenciones plásticas tradicionales, establecidas durante el Quattrocento italiano.
Esta revolución estética es obra del pintor español Pablo Ruiz Picasso (1881-1973), cuya
genialidad solo es comparable a la realizada por Freud en el terreno de la Psicología, o por Einstein, en el de la Física.
Los orígenes de Picasso son absolutamente académicos. Su padre, con el que se forma, era profesor de la Escuela de Artes y Oficios de Málaga. Tras un periodo en La Coruña, se instala en Barcelona, donde frecuenta la cervecería “Els Quatre Gats”, en la que coincide con figuras importantes del Modernismo. Allí se convence de dos cosas: que el academicismo no está de moda y que las nuevas tendencias había que buscarlas en París. Y allí se marcha.
Entre 1901 y 1904, desarrolla lo que se ha denominado el periodo azul. Como reacción contra el Impresionismo, pinta una serie de obras con tipos infelices y dolientes que reflejan su situación anímica, no demasiado optimista. Citemos, de este periodo, El viejo guitarrista.
En 1905, la mejora de su situación personal se refleja en el comienzo de los que se ha llamado el periodo rosa, en el que pinta personajes del circo y de los teatrillos ambulantes. A ella pertenece el cuadro Los saltimbanquis.
A partir de 1906, comienza, con Las señoritas de Avignon, su etapa cubista:
En ese año, queda marcado por los cuadros de Cézanne y por las máscaras africanas
del Museo del Hombre.
Representa a un grupo de cinco prostitutas semidesnudas, que se exhiben para captar
clientes.
Cuando Picasso mostró el cuadro, sus amigos quedaron horrorizados ante la fealdad
de los dos rostros de la derecha, inspirados en el arte africano.
Además, los cuerpos de las mujeres estaban descompuestos en bloques geométricos y
ensamblados por intersección de planos.
Para remate, la joven sentada mostraba el rostro, el pecho y las espaldas simultaneando todos los puntos de vista, lo que rompía las reglas de la perspectiva renacentista.
Desilusionado por las críticas adversas, arrinconó el cuadro en el taller. Pero tuvo el
convencimiento de una nueva forma de pintar, el cubismo, estaba naciendo, y continuó
experimentando.
Se mantuvo dentro del Cubismo entre 1906 y 1917. Dentro de este periodo, pueden
distinguirse dos fases:
a) El cubismo analítico, que se centra en el paisaje y en la figura humana. El método
sigue siendo el mismo: descomponer las figuras geométricamente y ensamblarlas
después, mostrando los cuatro planos en el lienzo. De este periodo, destacan las
siguientes obras:
o La serie de paisajes de Horta del Ebro.
o Los retratos de sus marchantes Ambroise Vollard y Daniel Kahnweilker.
Pero se da cuenta de que este sistema le alejaba de la realidad y le conducía
peligrosamente a la abstracción. En 1912, lo abandona al descubrir las posibilidades
del collage.
b) El cubismo sintético tendrá como base el collage, que le permite incorporar elementos
compatibles con las pinturas. Por ejemplo, un recorte de periódico permite al
espectador distinguir letras, números o palabras enteras; o una partitura, identificar
notas musicales. Un menú de un restaurante o una cajetilla de tabaco actuaban de
contrapunto real a los dibujos que aplicaba después sobre este soporte. Un buen
ejemplo de los bodegones que pinta en estos años es Naturaleza muerta con asiento
de rejilla, donde un trozo de hule trenzado sustituye a la silla.
La solución tampoco le convenció. Desde 1916, recupera la presencia humana y el
color al diseñar los decorados y el vestuario para los ballets rusos de Diaghilev.
Aunque los críticos daban por sentado que Picasso abandonaba el Cubismo, lo que en realidad hizo fue alternar obras cubistas con otras realistas, según lo pidiera el tema:
En 1921, realiza las dos versiones de Los tres músicos.
En 1923-24, centra su mirada en el lenguaje clásico de Rafael Sanzio y en las formas de la antigüedad clásica. Así, pinta La flauta de pan y Pablo vestido de arlequín.
En 1937, recupera el Cubismo para su obra más famosa, El Guernica, que le encarga el
gobierno de la República española para la Exposición Universal de París.
En adelante, convertido ya en un mito viviente y en un experto en rentabilizar su obra, se dedicó a todo tipo de obras, aunque su fase cubista es la que lo ha encumbrado a la cima de la historia de la pintura de todos los tiempos.
d. El Dadaísmo y Marcel Duchamp
Podemos considerar que el Dadaísmo es el antiarte. Un posicionamiento contra la belleza,contra las leyes de la lógica y contra la sociedad establecida.
El nombre del movimiento nació el 8 de febrero de 1916 en el Cabaret Voltaire, de Zúrich, un curioso local mezcla de club literario, galería de exposiciones y sala teatral.
Allí se reunían un puñado de refugiados de distintas nacionalidades que se beneficiaban de la neutralidad suiza en la Gran Guerra. Ese día, los presentes cogieron un abrecartas, lo introdujeron al azar entre las páginas de un diccionario y, al parecer, salió la palabra “dada” (caballo de madera). Y ese fue el nombre que le pusieron. Aquel grupo de escritores y artistas plástico estaban radicalmente en contra de una clase burguesa que había traído la guerra a Europa.
En uno de sus manifiestos, proclaman que están en contra “de la sífilis política, astronómica, artística, parlamentaria, agrícola y literaria”. Lo que buscan siempre en sus obras es el gesto,siempre que este vaya contra la sociedad establecida y sea lo más escandaloso posible.
Recurren con frecuencia a la ironía y el absurdo.
El precursor del movimiento será el francés Marcel Duchamp (1887-1968), que en 1913 había construido Rueda de bicicleta, en la que este objeto aparecía encima de una silla de cocina. Lo definió como “un objeto de la vida cotidiana promovido a la categoría de arte por la voluntad del artista”. El propio Duchamp define estas obras como “ready made”; dicho de otra forma, convertir objetos corrientes en obras de arte. Un “ready made” a la inversa sería “usar un Rembrandt como tabla de planchar”.
Todos los “ready made” eran objetos prefabricados y podían usar nuevos o usados,
aprovechando así los desechos de la sociedad consumista.
Una de las obras más famosas de este tipo es La fuente: un urinario de porcelana blanca que firmó con el nombre de Sr. Mutt, un conocido fabricante de artículos sanitarios.
Más adelante, retocó una fotografía de La Gioconda: le colocó perilla y bigotes y la rotuló con las iniciales L. H. O. O. Q. (en francés, “ella tiene el culo caliente”).
Muy sonada, y significativa en cuanto a su idea de despojar el arte de toda solemnidad, fue la ocasión en la que expuso un perchero y el público lo utilizó para colgar sus sombreros y paraguas.
La culminación de su obra artística llegó con la pintura sobre cristal titulada La novia
desnudada por sus solteros o El gran vidrio, donde desafió los límites que la moral imperante imponía a la sexualidad femenina.
Los últimos años de su vida los dedicó a jugar al ajedrez y a dejar pasar el tiempo. No
obstante, tras su muerte se descubrió que había estado trabajando en un nuevo proyecto,titulado Dados: el espectador contemplaría a través de una mirilla, tras la que encontraría una mujer desnuda que llevaba en la mano un quemador de gas; su objetivo es que el mirón tuviera un “coito visual” con el objeto que contemplaba.
e. El Surrealismo y Dalí
Fue Sigmund Freud el que estableció la existencia del inconsciente como parte fundamental de su teoría del psicoanálisis. Se puede definir como un lugar psíquico desconocido para la conciencia o, dicho de otra forma, como el conjunto de los contenidos reprimidos que son mantenidos al margen, apartados de la conciencia.
Lo que pretende el surrealismo es visualizar el inconsciente del individuo en su estado puro,esto es, despojado de las trabas que le impone la razón y al margen de los convencionalismos sociales y morales.
El fundador del movimiento fue el poeta francés André Breton, que había descubierto en las teorías de Freud que ese mundo inconsciente afloraba a través de los sueños y que en él se manifestaban dos emociones comunes, el placer y la agresividad.
Ambos temas serán explotados por una serie de artistas como Max Ernst, Delvaux, Masson, Magritte, Miró, Tanguy y Salvador Dalí (1904-1989).
Dalí dará rienda suelta a temas poco o nada tratados hasta ese momento en la pintura: el pavor del contacto físico con el sexo contrario, el miedo a la castración derivado del complejo de Edipo y la obsesión enfermiza por la impotencia, la muerte y la putrefacción.
El pintor de Figueras se adhiere al movimiento surrealista en 1929, cuando acude a París a rodar la película Un perro andaluz de Buñuel que arranca con un ojo cortado por una navaja barbera. El cine, recientemente inventado, se ponía, de esta manera, al servicio del Surrealismo.
Ese mismo año se enamora de Gala, que se convertirá en su musa, amante, confidente y
marchante de sus obras. Sin la figura de Gala no es posible comprender la personalidad de Dalí y su encumbramiento a la fama mundial.
Dalí elaboró un método de trabajo propio, que denomina paranoico-crítico, apoyado en su
portentosa técnica como dibujante. La factura de sus obras es tan precisa que el propio autor se referirá a ellas como “fotografías pintadas a mano”.
Dalí había observado que el paranoico, a diferencia de otros enfermos mentales, expresaba de forma lógica sus delirios, interpretando el mundo exterior en función de sus obsesiones. En consecuencia, piensa que el pintor surrealista no debe limitarse a ser mero agente pasivo que plasma de forma automática sus sueños en el cuadro, sino que debe colaborar en la elaboración de las confusas imágenes que recuerda cuando despierta.
El resultado del método paranoico-crítico será la imagen doble que representa dos o más realidades. Dos buenos ejemplos de ello son el Retrato de Mae West, cuyos rasgos faciales se corresponden con el mobiliario de un salón, y el Mercado de esclavos, en cuyo fondo aparece oculto el busto de Voltaire.
Pero la actitud de Dalí era tan snob y mercantilista que André Bretón lo expulsa del
movimiento surrealista.
Otras obras destacadas de Dalí son Muchacha en la ventana, La persistencia de la memoria (Relojes blandos) y Presagio de la Guerra Civil Española.
f) La abstracción y Pollock
La II Guerra Mundial convierte a Estados Unidos en la primera potencia mundial. Y a Nueva York, en el centro del arte, en perjuicio de París.
Es en este ambiente genuinamente americano en el que surge el expresionismo abstracto, que engloba varias tendencias. La más célebre será la action painting (pintura de acción), bautizada sí por el crítico y poeta Harold Rosemberg en un artículo publicado en 1952.
Cuando Rosemberg escribe su artículo en la revista Art News, está refiriéndose a Pollock, a De Kooning y a Kline, tres pintores muy interesados en el acto físico de pintar. Son artistas que no se aproximan al caballete con una idea fija en la cabeza. Con el lienzo delante y un bote de pintura en la mano esperan que salga “algo” de ese encuentro.
En la base de esa actitud, está la valoración del azar y lo fortuito, típicas del Surrealismo.
Jackson Pollock (1912-1956) conoce bien el Psicoanálisis porque se sometió en su juventud a un tratamiento contra el alcoholismo. Una vez recuperado, trata de trasladar esta experiencia a sus cuadros: abre el inconsciente a través del dripping, que podría traducirse como “hacer chorrear directamente el color de un recipiente sobre el lienzo extendido en el suelo”.
Con esta técnica, el artista pierde control en la gestación del cuadro. Pero permitió a Pollock acercarse a la pintura total. Esta ambigüedad del espacio pictórico y el gran tamaño de sus obras crean un ambiente que atrapa al espectador de manera definitiva. Citemos dos cuadros en los que esto es perfectamente observable: One [no 1] y Yellow Islands.
No hay comentarios:
Publicar un comentario